El “Sándwich de la Muerte” que acabó con Elvis

La muerte de El Rey del Rock’n Roll está rodeada de polémica desde aquel 16 de agosto de 1977 cuando Elvis Presley dejó de cantar para siempre,  la versión oficial sólo da por seguro que está muerto, pues las causas de su infarto versan entre su mal estado de salud y su abuso de sustancias como el demerol, analgésico al que era adicto. Tales son las discrepancias que en varias teorías de conspiración se asegura que sigue vivo y es una figura vigilante de su mansión Graceland cada vez que sus fans van allí a rendirle tributo, aun así, no se pueden negar sus malos hábitos alimenticios y ciclos de sueño invertidos, factores contribuyentes al deterioro de su corazón a los 42 años.

Elvis Presley en el final de sus días
Elvis Presley en el final de sus días, imagen original de http://junkee.com/wp-content/uploads/2013/08/ElvisMain.jpg
El sándwich de Elvis

Con todo lo antes mencionado,  su dieta sigue siendo algo curiosa, especialmente por platillos como el “Sándwich de la Muerte”, oficialmente llamado “Sándwich Elvis”, debido a que era el favorito del cantante y lo ingería como un “regalo” que él mismo se hacía de vez en cuando pese al alto contenido calórico del bocadillo. De acuerdo a las palabras de su amigo y mánager: Joe Esposito, Elvis no comía varios de estos emparedados al día como dice el rumor, dicho argumento lo incluyó en su declaración a Pamela Clarke Keogh, autora del libro Elvis Presley: The Man. The Life. The Legend.

Si su consumo no era tan frecuente de acuerdo a Esposito, esto no opaca el hecho de que el bocadillo predilecto de Elvis cuenta con 8.000 calorías cuando un ser humano adulto requiere de 2.000 calorías diarias en promedio. El Rey comenzó con esta afición luego de probar el emparedado Fool’s Gold Loaf, cuyos componentes eran muy similares a excepción de la jalea de uva que no contiene el oficial Sándwich Elvis, sin más preámbulo, aquí está la receta para el Sándwich de la Muerte:

Preparando el sándwich de la muerte de Elvis

Se necesitan:

2 rodajas de pan blanco.

6 tiras de tocino/tocineta/bacón.

1 plátano maduro.

Mantequilla de maní.

Mantequilla común (margarina no).

Miel de abejas.

 

Paso 1: Freír el tocino en bajo aceite y dejarlo a gusto.

Paso 2: Dorar ambas rebanadas de pan blanco en mantequilla regular.

Paso 3: Untar mantequilla de maní al gusto en una de las rebanadas de pan y picar el plátano en rodajas, colocarlas sobre la mantequilla de maní y cubrir con miel de abejas al gusto.

Paso 4: Untar mantequilla de maní en la otra rebanada de pan y colocar el tocino sobre ésta para luego armar el sándwich.

Paso 5 (opcional): Atreverse a verter mermelada de uvas o frambuesas dentro del emparedado para mezclar el estilo del  Fool’s Gold Loaf con el de Elvis.

“Sándwich de la Muerte” - El Sándwich de Elvis
El Sándwich de Elvis, imagen original de http://1.bp.blogspot.com/-ecmZep1nrwc/UFhl4-oiu6I/AAAAAAAAA6Y/_73AEFCogNw/s1600/DSC_0327.JPG

 

Para finalizar, el video de Elvis en vivo cantando Unchained Melody, el 21 de junio de 1977.

 

Imagen de cabecera original de: http://noticiasacapulconews.com/wp-content/uploads/2017/08/elvis-presley-army-large.jpg

 

 
 

Datos sobre H.P. Lovecraft que no conocías

Sólo se puede hablar de Howard Phillips Lovecraft con un intenso terror hacia sus relatos que revolucionaron el género del horror, hasta su llegada la literatura perteneciente a esta temática giraba casi exclusivamente alrededor de temores religiosos como el infierno, fantasmas y criaturas que antagonizaban con el cristianismo como los vampiros o los espectros del inframundo, a este escritor se le debe el placer de perturbarse con dioses tangibles provenientes de las estrellas que miran a la humanidad con absoluto desprecio a sabiendas de que esta especie está completamente sola e indefensa ante las numerosas criaturas llegadas a la Tierra desde el espacio exterior, un aporte del tópico religioso a la ciencia ficción hasta el momento dominada por grandes como H.G. Wells. Sirvió de inspiración para Stephen King y numerosos autores similares así como para diversas áreas de la cultura pop, puesto que se puede ver a Cthulhu en South Park y al Necronomicón en películas de culto como Evil Dead, sin más preámbulo, a continuación hay 30 datos curiosos sobre el padre del terror moderno: H.P. Lovecraft.

Lovecraft mantuvo prejuicios raciales y xenófobos durante casi toda su vida, no sólo sentía animadversión hacia los afroamericanos sino también hacia los inmigrantes europeos.

Su madre lo sobreprotegía pero no lo besaba ni le daba muestra alguna de afecto debido al puritanismo.

Su abuelo, Whipple Phillips, era millonario y fue el encargado de inculcar su pasión por el terror al contarle historias de miedo desde los cuatro años.

Una serie de enfermedades nerviosas le impidieron a Lovecraft asistir a la escuela junto con los demás niños.

Su madre le decía constantemente que era horrible y por eso Howard no salía mucho de su casa.

Los comentarios más severos sobre sus obras los hizo él mismo.

Gozó de una posición muy adinerada hasta que su abuelo murió de un infarto luego de una serie de malas inversiones, al caer en quiebra, la madre de Howard, Sarah Susan Phillips, tuvo que vender su casa y con ésta, la biblioteca que su hijo tanto amaba.

Lovecraft tenía dificultades con las matemáticas, abandonó la secundaria en 1908 un día antes de recibir su diploma debido a un colapso nervioso.

Vivió prácticamente sin salir de su casa durante nueve años debido a una serie de tendencias que tenían mucho en común con una depresión severa.

No tuvo amigos hasta que se dedicó al periodismo amateur, en ese momento mantenía varias relaciones amistosas con colegas mediante correspondencia.

Su primera historia publicada fue Dagon, apareció por primera vez en las páginas del diario The Vagrant en 1919.

Cuando empezó a cobrar por escribir sus relatos, Lovecraft recibía cifras que no superaban los 15 dólares a la semana, algo muy bajo incluso para los estándares de la época, él nunca protestó debido a su poca formación comercial.

El periodo de reclusión de Lovecraft tuvo lugar en la casa que él y su madre adquirieron luego de la muerte de su abuelo y la pérdida de su morada anterior, al final del aislamiento de Lovecratf, la gente de Providence tenía miedo de pasar frente a su vivienda en Angell Street porque los consideraban excéntricos.

Lovecraft fue íntimo amigo de Robert E. Howard, creador de Conan el Bárbaro.

Sus padres, Winfield Scott Lovecraft y Sarah Susan Phillips, terminaron en el mismo manicomio pero no se hicieron compañía, Winfield murió mucho antes de que internaran a Sarah en el Centro Psiquiátrico de Providence perteneciente al Hospital Butler.

El apodo de su madre era “Susie”.

Lovecraft aprendió a leer a los tres años.

Luego de la muerte de su madre se agravó su situación económica hasta llegar al punto de alimentarse casi exclusivamente de frijoles enlatados, a pesar de eso, se negaba a trabajar de otra cosa que no fuera la escritura.

A pesar de que los prejuicios de Lovecraft incluían el antisemitismo, se casó con una mujer judía.

La única mujer con la que tuvo relaciones sexuales fue su única esposa: Sonia Haft Greene.

El primer beso de H.P Lovecraft fue con Sonia tras escuchar un trueno mientras paseaban y luego de motivarla a publicar una historia escrita por ella titulada The Horror at Martin’s Beach.

El hito de su carrera llegó con el relato corto The Call of Cthulhu publicado en 1928, el cuento inspiró una canción homónima en el segundo álbum de la banda de thrash metal Metallica titulado Ride the Lightning, en este caso lo llamaron “Ktulu” en vez de “Cthulhu” e irónicamente la canción no tiene letra.

Portada de Ride the Lightning
Portada de Ride the Lightning – Imagen original de metalmusicarchives.com

La primera entrega del videojuego Alone in the Dark, uno de los primeros en usar gráficos 3D poligonales, está inspirada en la mitología de H.P. Lovecraft, en el juego puede verse al Necronomicón junto a otros libros ocultistas en la biblioteca de la mansión.

Alone in the Dark
Alone in the Dark – Imagen original de i.ytimg.com

Los Mitos de Cthulhu, inspiraron un verdadero culto de Cthulhu que existe en la actualidad.

The Call of Cthulhu fue rechazada inicialmente por su editor en la revista Weird Tales para la que Lovecraft trabajaba desde hacía años, tiempo después la publicaron.

Cthulhu
Cthulhu – Imagen original de deviantart.net creada por disse86

Cuando Farnsworth Wright, su editor en Weird Tales, le pedía corregir un cuento, Lovecraft esperaba varios días y le volvía a enviar el mismo manuscrito sin alterar mientras afirmaba lo contrario, acto seguido de la satisfacción de Wright por haberlo “obedecido”.

En el universo de DC, Gotham City cuenta con el Asilo de Arkham, hogar de muchos de los enemigos de Batman, Arkham es el nombre de una ciudad ficticia inventada por Lovecraft en la que ambientó muchos de sus relatos además de referenciarla constantemente en casi todas sus obras.

El autor tocó la idea de que la raza humana fue creada por extraterrestres en su novela En las Montañas de la Locura de 1936, de acuerdo al director de cine, Stuart Gordon, este planteamiento se popularizó en los sesentas y es original de Lovecraft.

En las montañas de la locura
Arte de En las montañas de la locura – Imagen original de blogspot.com

Lovecraft hizo toda su carrera en revistas pulp, no estuvo cerca del éxito hasta 1936 cuando cobró 596 dólares por la publicación de En las Montañas de la Locura repartida en tres números de la revista Astounding Stories; sin embargo, no llegó a alcanzar la fama debido al cáncer intestinal que culminó en su muerte un año después, sus obras sobrevivieron gracias a sus seguidores August Derleth y Donald Wandrei, quienes fundaron la editorial Arkham House en 1939 para mantener vivo su legado.

Howard Phillips Lovecraft fue enterrado en el cementerio Swan Point, su nombre aparecía reseñado en la columna central pero su tumba no tuvo lápida hasta que sus admiradores la colocaron, su epitafio dice: I’m Providence, “Yo soy Providence”.

Tumba de Lovecraft
Tumba de Lovecraft – Imagen original de wikimedia.org

 

Imagen original de la cabecera: notishop.net

 

 
 

Datos sobre Stephen King que quizás no conocías

Con el reboot de IT y la adaptación cinematográfica de La Torre Oscura, el 2017 fue un año que trajo a colación una vez más el nombre de Stephen King, suceso que terminó en una renovación del interés sobre este autor estadounidense cuyas contribuciones a la literatura abarcan una influencia de medio siglo gracias al impacto de sus libros así como las adaptaciones de éstos en el séptimo arte. Aun así, la vida del autor resulta tan interesante como sus propios relatos por lo que a continuación hay 25 curiosos datos sobre Stephen King.

  1. Su padre, Donald Edwin King, era un ex marino mercante que trató de ser escritor pero fracasó.
  2. El hermano mayor de Stephen, David King, fue adoptado por Donald Edwin King y Nellie Ruth Pillsbury en vista de que ella no podía tener hijos según las opiniones de los médicos.
  3. ¿Han oído la expresión “ya vuelvo, voy a comprar cigarrillos”?, eso fue lo que dijo Donald King cuando abandonó a sus esposa e hijos, más de treinta años antes que el padre de Nelson Muntz.

    Nelson Muntz
    Nelson Muntz – Imagen original de fanpop.com
  4. Cuando regresaba del trabajo, la madre de Stephen le preguntaba a él y a David datos sobre los libros para asegurarse de que los leyeron, en esa época ya existía “la chancla”.
  5. Durante su infancia, David fundó un periódico amateur llamado Dave’s Rag para el que Stephen escribía reseñas de programas televisivos, eran los niños más pobres, como Nelson Muntz, pero esa hazaña llamó la atención de los medios.
  6. Brian Hall, amigo de la infancia de Stephen, lo asustó mientras caminaba de noche frente a una iglesia, se asustó tanto que Brian tuvo que calmarlo, según Hall: Stephen “nunca lo perdonó”.
  7. Stephen le tiene miedo al número 13 (triscaidecafobia).
  8. De adolescente tuvo un trabajo como cavador de tumbas.
  9. Su primer relato publicado se llamó Yo Fui un ladrón de Tumbas Adolescente, esa historia  fue para la revista Comics Review, cuyos administradores nunca le pagaron.
  10. Tiene los pies planos, miopía, alta presión sanguínea y otros problemas de salud que lo salvaron de ir a Vietnam.
  11. Luego del nacimiento de su primera hija, Naomi, él y su esposa, Tabitha Spruce, se fueron a vivir en un tráiler donde tenían que pedirle a la compañía de teléfonos que les cortaran el servicio regularmente por no poder pagarlo, igual que Nel… no, Nelson vive en una casa.
  12. Publicó varios relatos en revistas para adultos como Swang y Dude, fotocopiaba y editaba las páginas por razones obvias antes de enviárselas a su madre.
  13. A pesar de su precariedad económica gastaba dinero en licor, tabaco y libros de tapa dura, acciones que afectaron su matrimonio.
  14. King tiró la primera parte de Carrie a la basura pero su esposa la recogió y lo motivó a terminar la novela, así garantizó otra película protagonizada por la rubia de Kick-Ass.
  15. Su madre murió de cáncer de pulmón antes de ver la publicación de Carrie, la primera novela de King en ser distribuida.
  16. A veces la madre de King dejaba de comer para mandarle cinco dólares mensuales a Stephen durante la universidad, él no se enteró hasta después de la muerte de ella.
  17. La primera novela de Stephen se llamó Rage y se publicó tiempo después de su debut como escritor bajo el pseudónimo “Richard Bachman”, la historia trata sobre un estudiante armado que mantiene a sus compañeros como rehenes dentro de la escuela.
  18. Rage es un libro costoso y difícil de conseguir, pues King pidió que lo dejaran de publicar en vista de las acusaciones que condenaban a la novela como fuente de inspiración para tiroteos escolares.
  19. Stephen se inspiró en un cementerio de animales que quedaba detrás su casa para escribir Cementerio de Mascotas, asimismo usó como inspiración la vez en la que su hijo menor, Owen King, estuvo a punto de ser atropellado.
  20. Stephen tenía un gato llamado Smocky que murió atropellado, si esto no les resulta familiar quizás deberían dejar de leer esta lista.
  21. A Stephen no le gustó la adaptación que hizo Stanley Kubrick de The Shining “El Resplandor” (1980).
  22. King formó una banda junto a otros escritores llamada The Rock Bottom Remainders en la que se desempeñó como guitarrista rítmico.
  23. Un sujeto allanó su casa mientras su esposa estaba sola, la amenazó con una bomba que resultó ser un circuito pegado a un cartón.
  24. Stephen King fue el primer autor de renombre en publicar un libro exclusivamente en internet, éste se llamó Riding the Bullet.
  25. En el tercer episodio de la tercera temporada de la serie televisiva Sons of Anarchy, Stephen King tiene una aparición especial como “Bachman”, un profesional que “desaparece” cadáveres, además de eso, King es un fanático de dicha serie y también de las motocicletas.

    Stephen King Cómo Bachman en Sons of Anarchy
    Stephen King Cómo Bachman en Sons of Anarchy – Imagen original de bookriotcom.c.presscdn.com

Imagen original de la cabecera de wennermedia.com

 

 
 

El nombre de Juego de Tronos que se oyó en la Casa Blanca

George Walker Bush fue el 43° presidente de los Estados Unidos electo durante dos periodos seguidos, lo que corresponde a una estancia en el poder desde el 2001 al 2009 cuando fue sucedido por Barack Obama. Por otra parte, Game of Thrones “Juego de Tronos” es una serie de televisión de la cadena HBO  titulada como el primer libro perteneciente a la saga A Song of Ice and Fire  “Canción de Hielo y Fuego” del escritor estadounidense George R. R. Martin en la que se basa esta adaptación televisiva; si bien estos datos, o al menos los referentes a Juego de Tronos, son bien conocidos por la mayoría de los cibernautas, existe una coincidencia entre ambos tópicos digna de recordar para la próxima reunión entre fans de la serie.

Jon Snow
Imagen original de www.bocarosada.com/wp
Jon snow, el nombre de Juego de Tronos que sonó en la administración Stark, perdón, Bush

Desde el año 2003 hasta el 2006, el Secretario del Tesoro de los Estados Unidos era  John W. Snow, doctor en filosofía y abogado oriundo de Toledo, Ohio que sirvió durante ambos periodos de la administración Bush hasta que dimitió. Si bien este caso es una coincidencia más oral que escrita en cuanto a los nombres de los personajes y de personas en la vida real, existen otros provenientes de la inspiración de los padres en la serie televisiva a la hora de nombrar a sus hijos, fenómeno que aconteció de igual forma en países angloparlantes con la llegada de Star Wars “La Guerra de las Galaxias”, mientras que uno de los casos en países de habla hispana fue el de Venezuela con el filme Oriana de Fina Torres.

John Snow, integrante de la administración de George W. Bush. No confundir con Jon Snow, célebre nombre de Juego de Tronos.
Imagen original de www.uspresidentialhistory.com/wp
La fiebre de Game of Thrones afectó a los bebés

Según la Office of National Statistics (ONS) u Oficina Nacional de Estadísticas de Gran Bretaña, entre Inglaterra y Gales durante el año 2013 nacieron 187 niñas bajo el nombre “Arya”, al igual que la hija  de Eddard Stark, mientras que otras 50 se llamaron “Khaleesi”, como el título que recibió  Daenerys Targaryen al casarse con Khal Drogo; en cuanto a los varones, hubo siete niños llamados “Bran”, diminutivo de Brandon Stark y tres recibieron el nombre “Sandor”, el mismo que uno de los guerreros más peligrosos de Poniente.  A lo largo del 2015 entre Inglaterra y Gales, hubo 280 pequeñas nombradas “Arya”, otras 68 llamadas “Khaleesi”, 11 “Sansa” y seis “Daenerys”; en el caso de los varones, 30 fueron llamados “Theon” y 14 recibieron el nombre de “Tyrion”. En lo que respecta al 2016, la cifra de “Arya” aumentó a 302 y “Khaleesi” a 69 mientras que “Daenerys” bajó a cuatro y “Sansa” a cinco; los niños nombrados “Theon”  aumentaron a 34, los “Bran” a nueve,  “Sandor”a cuatro, mientras que los bebés llamados “Tyrion”  bajaron a 11.

 

 
 

Montañas rusas

El origen de las montañas rusas

Las montañas rusas o roller coasters por su denominación en inglés, son atracciones tan populares como atemorizantes en los parques de diversiones, cuyas velocidades, formas y tamaños varían de acuerdo a la cantidad de emoción que su creador quiera inducir a los usuarios. Su origen se remonta a la Rusia imperial del siglo XVII donde la gente solía abordar un trineo para luego lanzarse por una pendiente de hielo reforzada con soportes de madera, atracción que en algunas de sus versiones podía igualar los 60 metros de alto y que fue especialmente popular en San Petersburgo, capital del antiguo imperio ruso. Tal fue el auge de este entretenimiento que la emperatriz Catalina II tuvo una montaña rusa particular en Oranienbaum, una residencia real ubicada en el Golfo de Finlandia al oeste de la capital imperial; sin embargo, esta atracción tiene una irónica curiosidad.

 

Las Montañas rusas en Francia y su modernización

Las primeras versiones de las montañas rusas en el extranjero se apreciaron en la Francia del siglo XIX, donde se conocieron como “paseos aéreos”, estaban hechos de madera y contaban con carros empujados manualmente. Esta atracción no fue patentada hasta que Marcus A. Thompson lo hizo en enero de 1885 en Estados Unidos tras haberla presentado al público un año antes en un parque de atracciones en Nueva York, aun así, las vagonetas seguían requiriendo un empuje manual para llevar a cabo parte del paseo, inconveniente que se solventó alrededor del año 1912 cuando John Miller diseñó la primera montaña rusa de fricción inferior, es decir, la madre de las montañas rusas modernas.

 

La “Montaña americana”

Con todo y lo anterior aún queda la irónica curiosidad que envuelve al nombre “montaña rusa”, pues en Rusia se le llama amerikanskie gorki “montaña americana”, quizás por el hecho de que fue un estadounidense quien la patentó y otro quien la revolucionó o también puede deberse al poderío de los Estados Unidos en cuanto a parques temáticos, aun así, la historia reconoce la contribución de los rusos al entretenimiento mecánico.

 

Fuente de la imagen original: supercurioso.com

 

 
 

¿Quién era “Charlie” en la guerra de Vietnam?

Para quien haya visto películas sobre la Guerra de Vietnam o cualquier otra en la que se haga referencia a este conflicto bélico, es menester haber escuchado el nombre “Charlie” durante conversaciones militares o incluso chistes, como en el caso del largometraje Forrest Gump “Forrest Gump” (1994) en el que el personaje principal, interpretado por Tom Hanks, dice: “Nos pasábamos todo el tiempo buscando a un tal “Charlie” durante la secuencia de Vietnam; ahora bien, ¿qué significa “Charlie” en este contexto y por qué lleva este nombre en particular?

Desde finales de la década de los veintes, la comunicación radial había revolucionado desde el entretenimiento hasta las actividades comerciales y militares, los marineros ya no tendrían que lidiar con el método telegráfico puesto que un equipo de radio les permitía hablar fluidamente sin la necesidad de un humano adiestrado en código morse para transcribir los mensajes, sin embargo, las interferencias sonoras propias de los equipos radiofónicos junto a errores de dicción por parte de los emisores provocaban confusiones y/o significados ambiguos en los mensajes transmitidos a través de ondas hertzianas en situaciones en las que no había espacio para errores. En pro de solventar esta situación, la Unión Internacional de Telecomunicaciones (UIT) aprobó un alfabeto universal que asignaba una palabra a cada letra del abecedario con base en el idioma inglés, de esta forma se podía deletrear cualquier mensaje sin importar la estática, los problemas de pronunciación, entre otros… El método, aunque efectivo en transmisiones marítimas, pasó por una serie de modificaciones antes de ser usado por la aviación civil durante los años treinta y tuvo que soportar muchas otras debido a la Segunda Guerra Mundial hasta que finalmente se estandarizó a mediados de la década de los cincuentas.

El resultado final fue básicamente el mismo que el de años atrás, una serie de palabras ordenadas alfabéticamente iniciadas con la letra a la que representaban en el abecedario inglés junto a los números del 0 al 9; aunque en esta ocasión su uso ya sería definitivo y universal tanto para civiles como para militares, es aquí donde destacan las palabras clave: “Víctor” y “Charlie”, usadas para representar las letras “v” y “c” respectivamente, iniciales que resumían el nombre “Viet Cong”, denominación de la guerrilla comunista simpatizante de Vietnam del Norte y sucesora del Viet Minh, agrupación paramilitar vietnamita que luchó contra la dominación japonesa y francesa. Los enemigos a los que se enfrentaban las fuerzas armadas estadounidenses versaban principalmente entre el Ejército Nacional de Vietnam (NVA, por sus siglas en inglés) y la guerrilla del Viet Cong, en este último caso, la forma de referirse a ellos por radio se simplificó de “Víctor Charlie” (vc) a únicamente “Charlie” (c), por lo que es más común oír este código en libros, cine, televisión y de más.

Imagen original procedente de oldskull.net

 
 

El origen del pseudónimo “Mark Twain”

Un joven oriundo del pueblo sureño de Hannibal en Missouri tuvo que abandonar la escuela a temprana edad a causa de la muerte de su padre, sus diversos trabajos lo llevaron a viajar por todo el territorio de los Estados Unidos en los tiempos circundantes a la Guerra de Secesión en una travesía donde le costó hallar su verdadera vocación. El muchacho se llamaba Samuel Langhorne Clemens y dio sus primeros pasos en el mundo de las letras como aprendiz de impresor en un periódico en el que llegó a ser cajista, en este punto, su trabajo consistía en armar placas de hierro con moldes letrados para imprimir los ejemplares del diario, sin embargo, no se limitó a eso y gracias a su hermano mayor, Orión, pudo publicar notas en el periódico de él llamado Hannibal Journal.

Su vida profesional sería una elipsis, como una serpiente que muerde su propia cola, fue así debido a que pasó de los medios impresos a la navegación de agua dulce gracias a sus viajes por el río Mississippi, en éstos vio cómo los pilotos navegantes ganaban un salario elevado por encima de los cien dólares, cifra adecuada para el esfuerzo que requería conocer los cambiantes estados del río así como maniobrar un barco de vapor de rueda y anclarlo en espacios estrechos, propios de los muelles y puertos fluviales. Pese a la dificultad, Clemens decidió estudiar para obtener su licencia de piloto fluvial o práctico que, si bien no era el rango de mayor autoridad, tenía el prestigio de ser un oficio osado que requería navegar bajo situaciones de riesgo para la embarcación en las que el capitán no podía darse abasto.

Riverboat
Un barco de vapor de rueda o “riverboat”, imagen de: www.theautochannel.com

Los esfuerzos de Samuel Clemens rindieron sus frutos materializados en una licencia de piloto fluvial expedida en 1859; sin embargo, el dolor a causa de la muerte de su hermano Henry en la explosión del barco Pennsylvania un año antes fue una carga que tuvo que llevar de por vida en vista de que fue él quien convenció a Henry de trabajar como tripulante. Pese a lo anterior, Clemens logró ejercer como piloto fluvial, durante esos días, se familiarizó con la expresión “mark twain”, un caló derivado de “marca dos”, en referencia a las dos brazas de profundidad (3,6 metros) que debía haber para que la embarcación pudiera navegar, al repetirla tantas veces gracias a sus obligaciones se la ganó como apodo, además de que era común oírla en las canciones de los esclavos a bordo de los barcos de vapor.

Su desempeño como piloto fluvial fue corto debido a que dos años después de obtener su licencia estalló la Guerra Civil estadounidense, también conocida como Guerra de Secesión, bajo estas circunstancias, Samuel Clemens junto a otros jóvenes allegados se unieron a una milicia confederada conocida como The Marion Rangers aunque su periodo de servicio fue corto. Luego de su etapa militar, Clemens decidió dedicarse a la minería del oro en Nevada pero fracasó, finalmente volvió a los medios impresos, su punto de partida, esta vez como periodista, escritor y humorista al debutar en el diario Territorial Enterprise con su historia humorística Letter From Carson – re: Joe Goodman; Party at Gov. Johnson’s; Music, la primera que firmó como Mark Twain.

Fuente de la fotografía de Mark Twain: www.cmgww.com

 
 

Dunkerque: Un tiro fallido

Imagen original: Youtube

Dunkirk “Dunkerque” (2017) es una película bélica escrita y dirigida por Christopher Nolan, cuya producción también estuvo en manos de su director junto a Emma Thomas y Greg Silverman, en este orden, la fotografía estuvo bajo la dirección de Hoyte van Hoytema mientras que la música fue compuesta por Hans Zimmer, el montaje final estuvo a cargo de Lee Smith, ensamblador de esta pieza cinematográfica elíptica y atemporal.

Dentro del reparto que compuso la boy band anti Hitler se encuentran: Harry Styles, Tom Hardy, Cillian Murphy, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Fionn Whitehead, Jack Lowden; entre otros actores cuyas interpretaciones no fueron nada memorables por la inexpresividad de sus rostros en situaciones donde las muecas de la ira y el pánico eran lo básico, requisito que sólo cumplieron los extras como soldados franceses y algunos de los actores con roles circunstanciales. Podría decirse lo mismo de DiCaprio en su papel de Hugh Glass en The Revenant “El Renacido” (2015), sólo que en su caso estaba justificado por las heridas, además de comunicar todo con su rostro y uno que otro gruñido, cosa que nadie hizo en Dunkerque, donde los actores hablaron muy poco mientras mantenían un semblante casi inexpresivo. Lo más acertado en la verosimilitud de los roles actorales fue el inglés con acento británico de los pilotos (gracias a la procedencia tanto de Tom Hardy como de Kenneth Branagh) y el francés hablado por algunos actores con roles poco significativos.

Imagen original: Moviezine.

La atención a los detalles es lo que distingue al cine de los videos porno, puede que los diseñadores de producción no sean tan aclamados como otros miembros del equipo, pero si llegasen a hacer algo mal, la crítica destruiría la cinta como una adolescente a su autoestima y eso es lo que va a pasar a continuación. La ambientación, los efectos visuales, el vestuario y la utilería cumplieron con todas las nociones históricas, la cromografía dominada por los colores fríos y una iluminación tenue dieron la sensación del frío europeo; sin embargo, la estética es un cadena tan fuerte como su eslabón más débil, en este caso, fue un grupo de actores jóvenes con cortes de cabello a la moda del año 2017, si se le añade a esto uniformes militares, el resultado es anacrónico y echa por tierra la verosimilitud del largometraje.

En cuanto a la música se tiene una melodía bien ejecutada para la tensión y acción de una película bélica, no funciona por sí sola y de eso se trata, usar la música junto a los planos con su respectivo montaje para lograr emoción, cosa que pasó desmedidamente. La música hizo su trabajo, la falla estuvo en el montaje al igual que en el guión junto a su dirección, se oye un crescendo seguido del sonido de unos cazas alemanes, el plano general muestra los rostros de soldados asustados, la música llega a su clímax pero no sucede nada en ese momento que sea lo suficientemente significativo para el suspenso vivido dentro de la sala. Por otro lado, los efectos de sonido y su montaje en la banda sonora fueron espectaculares, los aviones precipitándose en picada, los disparos, las bombas cayendo, las balas rebotando y la arena rociando el suelo son detalles auditivos perfectamente apreciables, disociados y realistas hasta el punto de intimidar al espectador.

Imagen original: Cinescopia.

Alerta de Spoiler

En Dunkirk, Nolan cuenta tres historias sobre la retirada aliada en Dunkerque tras el avance victorioso de los nazis, éstas son: la de los soldados que tratan de huir, los tripulantes de una embarcación civil que se dirige a Dunkerque para ayudar a la armada en la evacuación de la Fuerza Expedicionaria Británica en lo que se conoce históricamente como la Operación Dinamo y los pilotos de la Real Fuerza Aérea Británica encargados de proteger a los buques aliados de los ataques aéreos alemanes; cada una de estas líneas narrativas se presentan al principio con una etiqueta de tiempo como “una hora antes”, todas éstas variadas, pues el guión y el montaje son atemporalmente elípticos aunque no gozaron de una buena comprensibilidad, puesto que la atemporalidad sólo se percibe en el momento en el que el bombardero alemán va a atacar un barco buscaminas, evento que sucede dos veces, una desde el punto de vista de los pilotos y otra de acuerdo a la perspectiva de los tripulantes civiles de la pequeña embarcación, es ahí el momento en el que los carteles del principio cobran sentido si es que esta interpretación es la adecuada, pues el afán del director por mostrar obras cinematográficas complejas lo llevó a una historia cíclica con un montaje tan paralelo como elíptico cuya comprensión es inestable en cuanto al tiempo y los sucesos, sin mencionar la irrelevancia que tiene el personaje del piloto rescatado luego de matar a George, en ese caso hubiera sido mejor que el muchacho muriera a causa de una ráfaga de ametralladora.

La ejecución de las escenas también dejó cabos sueltos en la continuidad, pues en el momento en que algunos soldados ingleses se atrincheran en un barco holandés encallado valiéndose de la marea baja para subir a éste, se da a entender que la playa está vacía, más adelante los alemanes disparan al casco del barco por un costado que da hacia donde está la arena mojada, poco después comienza a subir la marea, lo que inunda al barco debido a los agujeros de balas, aun así, los alemanes siguen disparando desde el mismo ángulo, ¿acaso los nazis se fueron a buscar un bote para disparar desde éste cuando subiera la marea?

Fin del Spoiler

En conclusión, Dunkirk es un largometraje con múltiples aciertos técnicos pero muchas fallas en los aspectos cruciales de una película que, sin menospreciar las obras anteriores del director, no llegó a cumplir con las expectativas planteadas sin importar lo que diga la mayoría, porque en el mundo artístico donde nada es cuantificable, el nombre muchas veces pesa más que la obra, por lo que si este film no hubiera sido dirigido por Christopher Nolan, la crítica lo hubiese bombardeado más fuerte que la Luftwaffe a Dunkerque.

 
 

The Deadly Tower of Monsters: Un tributo a la ciencia ficción de serie “B”

Imagen original de la cabecera: Youtube

The Deadly Tower of Monsters
Imagen original: Steam Comunity

Viajar por el espacio en un cohete sostenido por hilos de nilón transparente mientras usas un traje espacial plateado con un casco que es una pecera esférica para luego aterrizar en un planeta con extraterrestres en cuyas espaldas se ven las cremalleras del disfraz, ocultas de vez en cuando gracias a un escenario futurista que de alguna forma luce anticuado, todo eso es la experiencia del videojuego The Deadly Tower of Monsters, un título nostálgico para los fans de la ciencia ficción de serie “B”, género cinematográfico que hizo vibrar a los adolescentes durante los años cuarenta, cincuenta y sesenta para distraerlos del terror de la posible guerra nuclear al igual que ayudarlos con sus conquistas románticas en una época en la que no había Tinder.

Los desarrolladores de este videojuego lanzado el 19 de enero de 2016 para Playstation 4 y Microsofot Windows fueron los muchachos de ACE Team, quienes se encargaron de crear este tributo a las películas de ciencia ficción en formato de videojuego valiéndose de la sátira, al igual que la estética y la trama de los antiguos films espaciales de culto. La historia es un DVD del largometraje ficticio The Deadly Tower of Monsters en el que los protagonistas a merced del jugador son: Dick Starspeed, un astronauta que dice frases cliché y que “cumple” con el rol de ser el “salvador” de su compañera Scarlet Nova, una aventurera del espacio con el mismo rol predecible que su colega y Robot, un autómata de hojalata con antenas y tenazas que sólo necesita gritar: “¡Peligro! ¡Peligro señor Robinson!” para hacer llorar a más de uno de la nostalgia en una cruzada espacial para liberar a un planeta inexplorado. Los tres personajes estelarizan esta “película” con filtros de video de VHS o DVD que viene comentada por el director ficticio Dan Smith, personaje que funge como caricatura de los valores conservadores de antaño pero con una ocurrencia tal que dejará al jugador llorando de la risa.

Los héroes de esta “cinta” deben subir una torre plagada de elementos de la ciencia ficción clásica de bajo presupuesto como unos simios súper-desarrollados que recuerdan a la cinta original de Planet of the Apes “El Planeta de los Simios” (1968) dirigida por Franklin J. Schaffner o también a 2001: A Space Odyssey “2001: Odisea en el Espacio” (1968) de Stanley Kubrick, al igual que criaturas prehistóricas mal empleadas a propósito (con chistes al respecto dichos por el “director”) como dinosaurios diplodocus carnívoros animados por stop motion en un decorado con palmeras de plástico. Todo lo anterior hace que la estética del juego sea fidedigna al género cinematográfico que representa, en los niveles superiores de la torre se observan monstruos-cerebros con ojos y una médula espinal rastrera así como hombrecillos verdes parecidos a los de Invasion of the Saucer Men “La Invasión de los Hombres del Espacio” (1957), en fin, un sinnúmero de referencias y guiños al género que se consuma con naves, escenarios y un villano totalmente inspirados en Flash Gordon.

The Deadly Tower of Monsters
Imagen original: Playstation Store

The Deadly Tower of Monsters
Imagen original: Intercambios Virtuales

El argumento de este juego es tan malo que es bueno, no se le puede juzgar fuera de los territorios de la sátira, pues al igual que su estética, imita a las películas clase “B” en cuanto a su mala planificación, por lo que no es de extrañar que el título recuerde a las historias del mítico Ed Wood, el peor director de todos los tiempos. Los protagonistas deben subir por una torre, vencer esbirros y superar obstáculos para derrotar al villano con el fin de liberar a un pueblo alienígena, así de simple es, en ocasiones hay incongruencias pero como ya se dijo es una sátira/tributo así que no hay que afanarse mucho en eso, dado que el humor es lo bastante denso como para mantener el enganche en este título tan corto con una historia limitada gracias a la carencia de plot points aunque con un giro tan espectacular como inesperado.

Si bien quedó en evidencia que los desarrolladores hicieron que este juego se saliera de los estándares en una explosión de variedad, la jugabilidad puede tornarse sencilla por su mecánica de “correr, disparar y subir”; sin embargo, muestra un esfuerzo por llevar la innovación a este terreno dentro los parámetros del estilo top down shooter, debido a que pudo quedarse como un juego para celulares de un solo personaje con dos o tres armas pero no lo hizo, al menos no del todo, pues se pueden usar tres protagonistas en múltiples puntos, cada uno con distintas habilidades mejorables que sirven para resolver uno que otro acertijo mientras se emplean varias armas con diferentes funciones que también pueden ser repotenciadas a lo largo de un único escenario vertical que cambia sus obstáculos, enemigos y ambientación a la par de su altura.

En conclusión The Deadly Tower of Monsters es un videojuego sencillo pero fascinante que estimula la nostalgia de los fans de la ciencia ficción clase “B” como también es capaz de desatar una pasión inmediata por consumir material del género mientras se aprende más de éste. Esta entrega virtual no está calificada para llevarse muchos galardones en el mundo de los videojuegos pero sí para brindar un rato de diversión que resulta corto al igual que gracioso y estimulante, comportándose así como un videojuego equivalente en toda la regla a las cintas de ciencia ficción serie “B”, emulándolas incluso en su característico poco triunfo ante la crítica, por lo que no sería de extrañar que este juego se convierta en una pieza de culto al igual que sus equivalentes en celuloide.

 
 

Far Cry Primal: Un simulador prehistórico

Ubisoft lo hizo de nuevo, un videojuego ambientado en el pasado, en este caso el periodo mesolítico, la última etapa de la prehistoria en la que el hombre vivió únicamente de la caza y la recolección, ese título llegó a las manos de los usuarios el 23 de febrero de 2016 con el nombre de Far Cry Primal. Pareciera que la temática histórica es un estilo propio de Ubisoft gracias a la saga de Assanssin’s Creed, aunque en esta ocasión no se trata de eventos reales del pasado en los que participó el protagonista del título, sino un contexto adornado por elementos históricos.

logo-ubisoftJean-Christophe Guyot y Maxime Béland dirigieron este videojuego escrito por Jean-Sebastian Decant, el trío fue responsable de materializar las aventuras de Takkar, el rey de las bestias, en las plataformas: Play Station 4, Xbox One y PC con un motor de juego Dunia Engine 2. La historia muestra a un cazador llamado Takkar, originario de la tribu Wenja que se ve separado de su grupo y tiene que sobrevivir hasta dar con Sayla, quien le da apoyo mientras él busca convertirse en el líder de la tribu que debe lidiar con los depredadores, los Udam (neandertales caníbales) y los Izila (humanos que usan el fuego como arma gracias a sus avances tecnológicos) en el ficticio Valle de Oros, Takkar se vale de armas que van desde la tradicional lanza hasta bombas con abejas, junto al uso de bestias domadas como el tigre dientes de sable, al que podrá dirigir e incluso montar.

En lo que respecta a la franquicia Far Cry, los títulos más memorables fueron los que trascendieron del videojuego de acción a mundo abierto al videojuego de acción a mundo abierto con una historia y ambientación inexistente o poco común en otros títulos del género, en este caso sólo se trata de Far Cry 3: Blood Dragon y Far Cry Primal, este último destaca por su ambientación de flora y fauna meticulosamente planeada al igual que construida, además de aportar verosimilitud gracias al uso del idioma prehistórico protoindoeuropeo, empleado gracias a que Ubisoft contrató a expertos en el área, todo esto sin dejar de lado la excelente calidad gráfica en la que se puede sentir con los ojos el pelaje de los mamuts.

Si bien la estética y los gráficos son importantes a la hora de valorar un videojuego, no lo son todo, la historia es algo mucho más importante cuando se trata de quedarse enganchado durante horas con el control en las manos, en este punto contamos con un argumento en el que se mezcla la supervivencia, la cultura totémica, las luchas tribales y los viajes oníricos antes de la invención del LSD; sin embargo, la historia se torna plana y carente de giros que estimulen las emociones debido a unos personajes unidimensionales cuyas acciones llevan a plot points a veces incongruentes si el orden de cumplir las misiones no es el adecuado para apreciar la hilaridad, fallo que no debería estar presente si el juego cuenta con una dinámica de mundo abierto.

Por otra parte, la jugabilidad mantiene un equilibrio entre el estilo RPG y el tradicional juego de acción y/o aventuras, la necesidad de incrementar la cantidad de puntos de experiencia y perfeccionar habilidades u objetos aumentándolos de nivel no crece hasta convertirse en un dolor de cabeza causado por matar a mil alimañas con el fin de lograr el nivel apropiado para determinada misión, por el contrario, se vuelve fluido y agradable gracias a que la superación de las habilidades del personaje puede darse con el cumplimiento de misiones tanto principales como secundarias, éstas últimas de poca duración, característica que evita la monotonía de tener que matar al mismo jabalí una y otra vez. Una abundancia de recursos para fabricar armas en cualquier lugar en todo momento evita los viajes largos de reabastecimiento, de la misma manera, el desarrollo de la aldea que corre por la cuenta del jugador, tampoco representa un impedimento para el progreso de la trama, cuyos acontecimientos no deben ser motivo de preocupación a la hora de recordar el argumento, gracias a que el chamán dará un resumen de lo sucedido cada vez que se cargue la partida.

En este orden, Far Cry Primal también da la oportunidad de usar la estrategia a la hora de cazar o resolver diferencias con las tribus rivales, lo que conlleva a una creatividad maquiavélica cuyo placer resultante es armar trampas, atacar desde el aire gracias a tu leal búho bombardero o enviar a las bestias tras enemigos escurridizos. No obstante, la sorpresa más grande de este título es el modo supervivencia que cuenta con la posibilidad de activar la muerte permanente, además de contar con la resistencia limitada, la eliminación de rastros del mapa, la ausencia del leal búho, una caza limitada por los nada numerosos animales a la vista y una menor resistencia al frío; toda una experiencia hiperrealista que le otorga a Far Cry Primal el derecho de ser considerado un simulador prehistórico que, si bien no llega a ganarse todas las estrellas, es una excelente experiencia con rasgos ilustrativos de la vida en el periodo mesolítico cuyos sinsabores argumentales son diezmados por su temática innovadora.